"Viivuotias tyttäreni piirtää samalla tavalla": miten aloittaa taiteen ymmärtäminen ja mitä sinun tulee tietää tästä

Käsittelemme taiteilijoiden tai kuvanveistäjien töitä aina subjektiivisesti, koska luovuudessa ei ole tiukkoja vaatimuksia. Taidekriitikko Nikita Monich kertoi Science Pulverizer -podcastin kuuntelijoille, kuinka taidetta oppii ymmärtämään ja voiko tekijöiden elämää ja työtä koskeviin stereotypioihin uskoa.

Pitääkö taiteilijan todella olla nälkä?

Monimutkainen ongelma. Törmäämme tähän stereotypiaan hyvin usein. Mutta korvataan sana "taiteilija" toisen ammatin nimellä. Onko totta, että matemaatikko, mekaanikko, ministeri tai presidentti elää köyhyydessä? Jos jokainen meistä ajattelee omaa liiketoimintaansa, tulemme todennäköisesti johtopäätökseen: "Työskentelen varmasti, jotta en olisi nälkäinen." Ja taiteilijat kohtelevat töitään samalla tavalla.

On myös syytä selventää, mitä "ammattitaiteilija" tarkoittaa.

Mutta tapahtuu, että maalarin työ saa arvokkaan arvion vasta kuolemansa jälkeen. On monia luojia, jotka elivät köyhää elämää ja kuolivat ymmärtämättä. Eikä heillä ollut aikaa nähdä, että heidän maalauksilleen oli kysyntää. Siksi taidehistorioitsijat uskovat: jos taidemaalarin töitä on arvostettu, häntä voidaan pitää ammattilaisena, joka on antanut merkittävän panoksen taiteeseen.

Taiteilijan ei tietenkään tarvitse olla nälkäinen, mutta joskus hänen on pakko elää köyhyydessä. Sattuu niin, että hänen näkemyksensä maailmasta, hänen viestinsä, joita hän yrittää välittää teosten kautta, eivät resonoi maalausten ostajien keskuudessa. Näin käy usein keksijöille. Tai niiden kanssa, jotka saavat tunnustusta vain lyhyen luovan elämänsä aikana. Sitten nämä mestarit pysyvät todella nälkäisinä.

Mutta onneksi tunnemme monia taiteilijoitajotka onnistuivat. He ymmärsivät erittäin hyvin, mitä heidän aikalaisensa tarvitsivat. Ja he voisivat myös lisätä uuden näkemyksen perinteisiin lähestymistapoihin. Mutta he tekivät sen annoksina - jotta yhteiskunta hyväksyisi heidän innovatiiviset päätöksensä.

Tällaisen tunnustuksen saavuttivat Raphael, Rubens ja myöhemmin Marc Chagall, Salvador Dali ja Pablo Picasso.

Mutta on muitakin esimerkkejä - vaikkapa Klimt ja Schiele. Ensimmäisellä oli loistava ura ja hän oli Wienin menestynein taiteilija. Toinen on hänen oppilaansa. Hän eli onnettoman lyhyen elämän ja sai tunnustuksen vasta aivan lopussa.

Siksi tapahtuu, että taiteilijan tunnuslauseeksi tulee lause l'art pour l'art - "taidetta taiteen vuoksi". Ja rahan on pakko ansaita muuten. Näin teki esimerkiksi kuuluisa da Vinci.

Voimmeko erottaa taiteilijalegendat tosiasioista?

Jatketaan puhumista Leonardosta ja katsotaan hänen Mona Lisaaan. Tämän kuuluisan maalauksen ympärillä on monia legendoja. Esimerkiksi uskotaan, että taiteilija palkkasi muusikoita, jotta malli ei kyllästyisi piirtäessään häntä. Ja Giocondan kuuluisa hymy ilmestyi juuri tämän musiikin ansiosta. Ja yleensä taiteilija maalasi tytön huulia vain 12 vuoden ajan.

Tässä on vaikea erottaa tosiasiat spekulaatioista. Emme tiedä melkein mitään siitä, miten se todella toimi da Vinci ja hänen aikalaisensa. Kyllä, voimme esimerkiksi tutkia Leonardon päiväkirjoja. Mutta hänen muistiinpanonsa ymmärtäminen ei ole helppo tehtävä.

Tunnemme Leonardon ja hänen aikalaistensa elämäkerrat taiteilija ja taidekriitikko Vasarin levyistä. Mutta emme tiedä, kuinka tarkasti tosiasiat heijastuvat näissä kanonisiksi tulleissa teoksissa.

Esimerkiksi Vasari kuvaa Mona Lisan kulmakarvoja. Mutta kankaalla ei ole kulmakarvoja. Lisäksi ne puuttuvat paitsi lopullisesta versiosta. Ulomman kerroksen alla, jos tutkit kuvaa röntgenkuvan avulla, kulmakarvat eivät myöskään näy. Osoittautuu, että Vasari joko ei nähnyt tätä kuvaa itse ja "Rabinovich lauloi" hänelle, tai hän näki sen, mutta kirjoitti siitä muistista ja erehtyi.

Mutta on myös tosiasioita, joista olemme varmoja. Leonardo kirjoitti La Giocondan hyvin pitkään ja kohteli sitä erityisillä tunteilla. Hän aloitti työnsä saatuaan tilauksen vuonna 1467. Sitten hän ei koskaan antanut maalausta asiakkaalle ja vei sen mukanaan pitkäksi aikaa. 40 vuoden jälkeen Leonardo palasi töihin. Ehkä hän lisäsi vain muutaman vedon - edes röntgenkuvien avulla emme voi sanoa tarkalleen, minä vuonna jokainen aivohalvaus tehtiin. Mutta tiedämme, että taiteilija viimeisteli maalauksen monta vuotta työn alkamisen jälkeen.

Keitä taiteilijat todella piirtävät muotokuvissaan?

Vaikuttaa siltä, ​​että vastaus on ilmeinen: ne, jotka toimivat heille malleina. Mutta jos puhumme Mona Lisasta, voit kuulla paljon spekulaatioita siitä, ketä Leonardo todella halusi kuvata. Jotkut uskovat sen itsekin. Tai edes Kristus.

Itse asiassa ei ole kovin tärkeää, kuka toimi kuvan mallina. Usein muotokuva on vain kuva. Oletetaan, että kankaalla oleva henkilö on hyvin samanlainen kuin se, joka poseerasi. Jokainen maalaus on kuitenkin myös muotokuva taiteilijasta itsestään. Mutta ei siksi, että hän maalaa aina ulkonäkönsä.

Tässä ei ole tärkeintä muoto, vaan sisältö. Eli viesti, merkitys, jonka taiteilija laittaa jokaiseen teokseensa. Ja tämä viesti riippuu täysin tekijästä.

Mikä rooli naisilla oli klassisessa taiteessa?

Heistä tuli usein tekijöiden muusoja. Mutta he harvoin pystyivät saamaan klassisen koulutuksen itse ja ryhtymään taiteilijoiksi.

Tämä on yksi syy rajoitukseen. Mikä tahansa maalaus tai veistos on aistillinen esine. Luovuus on aina liitetty seksuaalisuuteen. Tämä on suurelta osin sublimaatiota, eli aistienergian suuntaa toiseen, luovaan suuntaan. Ja me tiedämme sen taiteilijoitaKlassisen taiteen luojat maalasivat usein alastomia naishahmoja. Tätä tarkoitusta varten mallit poseerasivat heille.

Menneinä vuosisatoina oli kuitenkin mahdotonta edes ajatella tytöstä, joka piirsi alaston miehen. Hän ei voinut edes olla samassa huoneessa hänen kanssaan.

Mutta tämä ei tarkoita, että naiset eivät olisi vaikuttaneet taiteeseen millään tavalla. Päinvastoin, ilman niitä se tuskin olisi saavuttanut korkeaa tasoa.

Hiljattain tehtiin Prado-museo hanke El Prado en femenino. Sen tekijät tekivät videon, jossa kaikki naisen tilaamat, ostamat tai naisen kokoelmaan tekemät maalaukset katosivat museon seiniltä. Ja seurauksena melkein kaikki tärkeimmät mestariteokset katosivat videon museosaleista.

Voiko tavallinen ihminen, ei asiantuntija, ymmärtää nykytaidetta?

Jokainen maalaus, veistos, koriste- ja taideteos, melodia on viesti. Ja se lähetetään jollain kielellä. Tämä tarkoittaa, että tämän viestin tulkitsemiseksi sinun on tiedettävä kieli, jolla se lähetetään.

Kun ihminen näkee kuvassa joitain ihmisiä tai esineitä, hänestä usein tuntuu, että kaikki on selvää. Katsoja saattaa ajatella: tämä on realistisesti piirretty kaunis nainen - mikä siinä on epäselvää? Mutta hän ei näe allegorioita, ei tiedä mikä tarina on salattu kuvassa, ei tunnista siihen liittyviä kirjallisia lainauksia. Jos hän näkee pyhiä, hän ei ehkä tiedä, mistä he ovat kuuluisia, mitä heidän ominaisuuksiaan on piirretty tai miksi näitä ominaisuuksia tarvittiin. Ja lopulta hän ei ymmärrä viestiä, jonka taiteilija halusi välittää.

Mutta henkilö päättää: "Ymmärrän tämän, koska täällä on ihmisiä. Mutta täällä on vain pisteitä, viisivuotias tyttäreni piirtää samalla tavalla - en ymmärrä."

Mutta jotta suhde syntyisi, sinun on ymmärrettävä, mitä sinulle tarkalleen sanottiin. Jos lause kuulostaa vieraan kielellä Kieli - esimerkiksi vietnamiksi tai unkariksi - hän ei huomaa mitään. Eikä hän saa viestiä vastaan, vaikka se olisi äärimmäisen tärkeää ja voisi muuttaa hänen elämänsä.

Päättelemme: taiteen ymmärtäminen tarkoittaa taiteilijan puhuman kielen hyvin tuntemista. Jos et ymmärrä tätä kieltä, taiteilijaa on mahdotonta kuulla.

Kuinka oppia ymmärtämään taidetta

Kannattaa ymmärtää, mistä tarkalleen pidät ja mistä resonoi. Tätä varten sinun on kokeiltava erilaisia ​​asioita. Se on kuin tuotteiden kanssa: voit vertailla useita eri mehutyyppejä ja päättää sitten, että pidät silti oluesta enemmän. Mutta ensin sinun täytyy kokeilla jokaista juomaa.

Jos olet alkanut tutustua taideMuista kaksi sääntöä:

1. Kiinnostus kuvaa kohtaan alkaa toisesta katselusta. Jos haluat katsoa sitä uudelleen, se tarkoittaa, että siinä on jotain.
2. Älä pelkää spoilereita. Ennen kuin menet museoon, voit lukea siitä. Ja katsokaa 20–30 mestariteosta, joita siellä on tallennettu. Ne on helppo löytää esimerkiksi alustalta Google Arts&Culture.

Aluksi katso vain kuvia, selaa sivuja - ensimmäisessä vaiheessa tämä riittää. Avaa samalla uusilla välilehdillä ne kankaat, jotka kiinnittivät huomiosi. Katso sitten näitä teoksia uudelleen, lue niistä.

Myöhemmin, kun menet museoon, siirry suoraan sinua kiinnostaviin maalauksiin. Eli jo tutuille kankaille. Tämä on välttämätöntä, jotta et tuhlaa arvokkainta resurssiasi - huomiota.

Siksi katso vain sitä, mitä olet suunnitellut etukäteen. Yritä sitten erottaa kolme teosta kaikista näkemistäsi:

1. Mistä pidit eniten.
2. Mistä et pitänyt eniten.
3. Mitä pidit oudoimpana.

Ota sitten älypuhelin ja käynnistä se hälytysniin, että se soi viiden minuutin kuluttua. On erittäin tärkeää olla katsomatta näyttöä koko tämän ajan, joten olkoon se herätyskello, ei ajastin. Ja puhu valitun kuvan kanssa viisi minuuttia. Muista puhua ääneen, vain hiljaa - olet edelleen museossa. Puhu keskimääräisellä tahdilla, ilman toistoa. Jatka kunnes hälytys soi.

No, jos toistat tämän tekniikan joka kerta, kun vierailet uudessa näyttelyssä, ajan myötä kertyy havaintokokemusta. Ja osaat tulkita taidetta paremmin.