Lyhyt elokuvahistoria 1900-luvun puolivälistä nykypäivään: ote Anton Dolinin kirjasta

Tekijäelokuvan kukoistus

1950-luvun puolivälistä lähtien elokuvantekijöitä ja elokuvantekijöitä on esiintynyt ympäri maailmaa, kullakin on oma tyylinsä. Jotkut heistä kunnioittavat toisiaan, toiset päinvastoin halveksivat, ja suurin osa rakentaa oman taiteellisen maailmankaikkeuden, jossa asuvat kumppanit ja fanit.

1950-luvulta 1970-luvulle tuli kirjailijaelokuvan suosion huippu: ihmiset katsovat sitä, kieltävät sen, ylistävät sitä, kiivaasti väittävät siitä, kirjoittavat artikkeleita ja kokonaisia ​​kirjoja. Teoreetikot puhuvat ensimmäistä kertaa vakavasti elokuvasta taiteena, joka ei ole millään tavalla huonompi kuin sen vanhemmat veljet - teatteri, kirjallisuus, maalaaminen tai musiikki.

Neuvostoliitossa sensuurista huolimatta tinkimätön kirjailija elokuva ja ainutlaatuiset taiteilijat: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.

Kymmenen elokuvaa kokeilla:

• Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japani;
instagram viewer
• “Seven Samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Japani;
• Sana, 1955, Karl Theodor Dreyer, Tanska;
• Seitsemäs sinetti, 1957, Ingmar Bergman, Ruotsi;
• "Seikkailu", 1960, Michelangelo Antonioni, Italia;
• La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italia;
• A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Iso-Britannia / USA;
• Päivän kauneus, 1967, Luis Buñuel, Ranska;
• Pelko syö sielua, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Saksa;
• Peili, 1974, Andrei Tarkovsky, Neuvostoliitto.

Uusi hollywood

Tähän amerikkalaisen tekijänelokuvan suuntaukseen vaikutti osittain eurooppalainen ja aasialainen elokuvaus ja festivaaliliike. Hänen syntymänsä liittyy Hayesin sensuurikoodin poistamiseen, jossa määrättiin tiukat säännöt sille, mikä on sallittua ja mitä ei voida näyttää elokuvateatterissa, ja amerikkalaisen "studio" -järjestelmän kriisin myötä, hukkunut itsensä toistamiseen ja väsynyt katsojia.

Nuoret elokuvantekijät ja elokuvan katsojat kokivat olevansa osa maailman kulttuuriyhteisöä. He hylkäsivät kaikki rajoitukset ja tutkivat amerikkalaisen elämän tabu-alueita. Samaan aikaan heidän elokuvansa olivat suosittuja ja saivat täystaloja, nimitettiin elokuvapalkinnoille ja voittivat ne.

Amerikkalaisen yhteiskunnalliset kysymykset ja traumatutkimus uusissa Hollywood-elokuvissa vaihdettu genre-elokuvan tavanomaiset elokuvalakit, jotka ovat pakollisia ja usein päivystäviä onnelliset päät.

Viisi kokeilettavaa elokuvaa:

• Tutkija, 1967, Mike Nichols, USA;
• Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
• Kummisetä, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
• Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
• "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.

Suosituimmat

1970-luvun puolivälissä kaupallinen vallankumous tapahtui amerikkalaisessa ja sitten maailmanelokuvassa. Nuoret maahanmuuttajat New Hollywoodista George Lucas ja Steven Spielberg he kuvaavat uskomattoman suosittuja genre-elokuvia nuorelle yleisölle, joka rikkoi kaikki lipputulot. Tästä eteenpäin Amerikka siirtyy vähitellen vakavan elokuvan massatuotannosta tuotantoon aikuisten yleisö teini-ikäisille viihde-elokuville - todelliset kaupalliset koneet rahan ansaitsemiseksi raha. Niitä kutsutaan "menestystarinoiksi" - kirjaimellisesti "naapuruston tuhoajiksi".

Blockbusters ovat edelleen Hollywoodin studiovoiman ja amerikkalaisen elokuvateollisuuden elinvoiman selkäranka.

Viisi kokeilettavaa elokuvaa:

• Leuat, 1975, Steven Spielberg, USA.
• Tähtien sota, 1977, George Lucas, USA.
• Alien, 1979, Ridley Scott, Yhdysvallat.
• Terminaattori, 1984, James Cameron, USA.
• Die Hard, 1988, John McTiernan, Yhdysvallat.

Postmodernismi

Tämä sana pelottaa monia. Toisaalta kukaan ei pysty kuvaamaan lyhyesti ja selkeästi, mitä sillä tarkoitetaan. Toisaalta hänestä on kirjoitettu niin monta tutkimusta ja kirjaa, että tarkoitetaan liikaa.

Elokuvassa postmodernismin selkeät ilmenemismuodot jättävät huomiotta hierarkiajärjestelmän (sekä tekijänoikeudet että kaupalliset) elokuva), kaikkea läpäisevä ironia, kaikkialla esiintyvät lainaukset elokuvaklassikoilta, moralismin puute ja opettavainen. Lajityyppien ja tyylien sekoittamisen lisäksi "korkean" taiteen ja massakulttuurin erottamatta jättäminen, katsojan ottaminen mukaan katselu eräänlaisena kulttuuripelinä, jossa häntä pyydetään arvaamaan, mitä todella on kirjailija.

1980-luvun puolivälistä lähtien postmodernismi on ottanut elokuvan eri puolilla maailmaa.

Kymmenen esimerkkiä kokeiltavaksi:

• Sininen sametti, 1986, David Lynch, USA;
• "ASSA", 1987, Sergei Solovyov, Neuvostoliitto;
• Naiset hermoromahduksen partaalla, 1988, Pedro Almodovar, Espanja;
• Nikita, 1990, Luc Besson, Ranska;
• Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japani;
• «Rikosromaani», 1994, Quentin Tarantino, USA;
• Kuollut mies, 1995, Jim Jarmusch, USA;
• Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Tanska;
• Hauskat pelit, 1997, Michael Haneke, Itävalta;
• “About Freaks and People”, 1998, Alexey Balabanov, Venäjä.

Festivaalit

Ensimmäisiä elokuvafestivaaleja alettiin järjestää jo ennen toista maailmansotaa. Vaikuttavin elokuvanäyttely oli Venetsia, joka perustettiin vuonna 1932 diktaattori Benito Mussolinin henkilökohtaisesta aloitteesta. Cannesin festivaali suunniteltiin ensimmäisen kerran pidettäväksi saman vuosikymmenen lopussa vaihtoehtona ja vastapainoksi Venetsian festivaalille, jossa fasistiset ideat olivat yhä vaikuttavampia. Suunnitelmien ei ollut tarkoitus toteutua: sota alkoi. Tämän seurauksena ensimmäinen Cannesin festivaali järjestettiin vuonna 1946.

Euroopan tärkeimpiä elokuvanäyttelyitä pidetään perinteisesti Berliinin (helmikuu), Cannesin (toukokuu) ja Venetsian festivaaleina (Elo-syyskuu), arvostetuimmat ovat palkinnot: "Kultainen karhu", "Kultainen palmu" ja "Kultainen leijona" vastaavasti. Lisäksi kuuluisia festivaaleja on pidetty pitkään Locarnossa ja Rotterdamissa, Karlovy Varyssä ja San Sebastianissa, Torontossa ja Busanissa.

Maailmassa on enemmän kansainvälisiä elokuvafestivaaleja kuin päiviä vuodessa.

Kaksikymmentä festivaalin voittajaa kokeilla:

• Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japani (Venetsia);
• "Maksa pelosta", 1954, Henri-Georges Clouseau, Ranska (Cannes);
• "12 vihaista miestä", 1957, Sidney Lumet, USA (Berliini);
• Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Espanja (Cannes);
• Ivanin lapsuus, 1962, Andrei Tarkovsky, Neuvostoliitto (Venetsia);
• Cherbourgin sateenvarjot, 1964, Jacques Demy, Ranska (Cannes);
• Military Field Hospital, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
• Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italia (Berliini);
• "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, Neuvostoliitto (Berliini);
• Kaikki tuo jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
• “Nimi: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Ranska (Venetsia);
• "Pariisi, Texas", 1984, Wim Wenders, Saksa (Cannes);
• Punainen Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Kiina (Berliini);
• Barton Fink, 1991, Ethan ja Joel Coen, USA (Cannes);
• Piano, 1993, Jane Campion, Uusi-Seelanti (Cannes);
• Eläköön rakkaus, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Venetsia);
• Henkinen poissa, 2002, Hayao Miyazaki, Japani (Berliini);
• Asetelma, 2006, Jia Zhangke, Kiina (Venetsia);
• "4 kuukautta, 3 viikkoa ja 2 päivää", 2007, Cristian Mungiu, Romania (Cannes);
• "Boonmi-setä, joka muistaa menneisyytensä", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thaimaa (Cannes).

"Oscar"

Ihmiskunta on varma, että elokuvan korkein palkinto on Oscar, ja häntä on mahdotonta vakuuttaa. Mutta Oscar on puhtaasti amerikkalainen teollisuuspalkinto, jonka rajoitetuissa koordinaateissa koko elokuvaus näkymätön: loppujen lopuksi palkitaan vain vuoden aikana julkaistut elokuvat USA.

Ehkä he pitävät palkintoa niin tärkeänä, koska Oscarit ovat näyttävä näyttely. Tai siksi, että tunnetuin
tähdet maailmassa ovat Hollywood. Mutta ennen kaikkea tietysti, koska amerikkalainen elokuva on suosituin maailmassa.

Syy on yksinkertainen. Ranskalaiset tekevät elokuvia ranskalaisille, tanskalaiset tanskalaisille, intialaiset intiaaneille, kiinalaiset kiinalaisille ja venäläiset venäläisille. Tähän sääntöön on poikkeuksia, mutta ne ovat harvinaisia ​​ja merkityksettömiä. Ja vain Hollywood tekee elokuvia ei amerikkalaisille, vaan koko maailmalle.

Kaksikymmentä parasta kokeiltavaa Oscar-elokuvaa:

• Se tapahtui yhden yön, 1935, Frank Capra, USA;
• Tuulen viemää, 1940, Victor Fleming, USA;
• Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
• All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
• Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
• Asunto, 1961, Billy Wilder, USA;
• West Side Story, 1962, Robert Wise ja Jerome Robbins, USA;
• Lawrence of Arabia, 1963, David Lin, Iso-Britannia;
• Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, USA;
• "Kummisetä - 2", 1975, Francis Ford Coppola, USA;
• Yksi lensi käkipesän yli, 1976, Milos Forman, USA;
• Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
• Platoon, 1987, Oliver Stone, USA;
• Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
• «Uhrilampaat», 1992, Jonathan Demme, USA;
• Schindler's List, 1994, Steven Spielberg, USA;
• Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
• Titanic, 1998, James Cameron, USA;
• Ei maata vanhoille miehille, 2008, Ethan & Joel Coen, USA;
• Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, Yhdysvallat.

Tunnettu venäläinen toimittaja ja elokuvakriitikko Anton Dolin kirjoitti kirjan lapsille ja aikuisille, jossa hän analysoi elokuvaan liittyviä tärkeitä kysymyksiä. Miksi katsomme elokuvia? Kuinka ymmärtää elokuvamaista kieltä? Entä jos olet tylsistynyt? Kuinka elokuva muuttuu ja mitä siitä tulee kaukaisessa tulevaisuudessa? Erittäin hieno bonus - julkaisun kuvitukset on piirtänyt Konstantin Bronzit, taiteilija, animaattori ja Oscar-ehdokas.

Osta kirja